Mika Yajima | Japan
From the start of her freelance career, Textile & Fiber Artist MIKA YAJIMA produced mainly on order artwork to hotels, corporate buildings, Airport lounges, etc., for architectural spaces by using original techniques - weaving, knotting, winding, collage, and polyester coating with fibre material.
A paradoxical combination of thin thread and metal, light and heavy, soft and hard, and the like are her hallmarks.
From 2006, she exhibited some conceptual installations pursuing more spirituality with stronger messages.
In recent years, she has made a transformation from folk art materials and ancient traditional techniques to the contemporary arts returning to the original self-cultivated material series -Asian royal fern, Basho fiber, Kudzu fiber etc., that continues from her art college days, something that cannot be done with machines, digital tools, or AI. And she is now focusing a variety style of expressions using weaving techniques and materials to tapestries, frameworks, installations, and mixed-media, what based on a consistent theme.
It seems like a divine grace that "catalyst by mordant metal compound produce to vivid colors in natural dyeing. For the artist, such as braiding, twisting, winding, spinning, weaving etc., by adding the essence that comes up from artist’s inside through the palm of the hand, the fibre and paradoxical materials harmonized, feeling the moment when a new soul breathed into the works, it is the artist’s greatest pleasure and ultimate purpose.
染織・ファイバーアーティスト矢島路絵は独立時より糸に関わる素材を中心に、織物･ノッテイング･コラージュ･樹脂加工成形等の様々な技法素材を組み合わせ、平面･立体を問わずホテルや企業ビル、航空会社ラウンジ等、建築空間へのオーダーアートワークを手掛けてきました。細い糸と金属、軽きものと重きもの、柔らかさと硬さ、相反するパラドックス的な素材のコンビネーションが作家の特徴です。
2006年以降、よりメッセージ性のあるインスタレーションを数回行った後、近年は大学時代より続けてきたぜんまい綿・芭蕉・葛等、自家栽培・自家採取の植物繊維素材や伝統的織物技術を基に、機械やデジタル、Alでは出来ない民芸染織素材を現代アートへ変容させる試みに焦点を当て、一貫したテーマを基に染織に係る多様な技法や素材のバリエーションを組み合わせタペストリー、フレームワーク、インスタレーション、ミックスド・メディアさまざまな表現スタイルのバリエーションに挑戦しています。
例えば草木の汁から鮮やかな色を発色させる"媒染剤（銅、鉄、ミョウバン等の染色を助ける金属化合物）による触媒"が人間に与えられた恩寵であるように、撚る、捲く、染める、織る―自らの内面から湧き出るエッセンスが手のひらを通して加わることで、繊維と相反する素材が調和し、新たな魂が作品に息吹く瞬間を体験するのは作家にとって、この上ない喜びであり究極の目的であります。
Prime in Reverse
Contemporary Art Station: Tell us about how you got started. When did you know you wanted to be an artist?
どうやって始めたのか教えてください。アーティストになりたいと思ったのはいつですか？
Reminiscing about my childhood, I often peeled the leaves and stems of home garden plants off to see the veins. The green sap that stains the nails when tying and twisting, the leaf core etc., I still remember the plants fibre touching with my finger.
At the decisive moment, when I discovered of my great-grandmother's weaving tools in the family warehouse in my art college days, while following the trace of the great-grandmother who was completely homemakers while keeping the weaving ritual, I decide my creative base as a weaver using traditional techniques and materials to make a transformation as an Artist. Since then, I started to realization of self-cultivating and gathering Asian-royal-fern and raw cotton, cutting down the Basho-banana plants that had grown wild on the land of ancestors, and started to weave the thread by hand. The theme of my graduation piece was 'Basho, paper cloth and Asian-royal-fern's weaving - fusing independently transmitted dyeing and weaving folk craft materials that have never before met', and included research on materials and a tapestry piece. After her graduation, the piece won the incentive award at the '89 Asahi Contemporary Craft Exhibition, and after four years practical experience, I left the employed corporation to go freelance.
While in the process of attempting semi-three-dimensional modelling by carrying out resin coat on textiles had woven by my-self, through an introduction by the art business company I was formally employed at, and offered technical cooperation for a golf course lounge artwork project run by a construction company. From then on, Yajima was able to specialize in architectural spaces, and handle order-made artwork that involved building up the space while directly exchanging opinions with architects and clients.
幼かった頃、庭の植木の葉や茎をちぎってはその皮を剥ぎ葉脈を見ては観察していました。繋いだり撚ったり、爪に染み付く緑の樹液、最後残る葉っぱの芯、今でもその繊維の感触を明確に覚えています。
決定的だったのは、美術大学在籍中に実家の蔵で曽祖母の機織りの道具を偶然見つけた時です。機織りの祀りごとを大切にしながら一族を守ってきた曽祖母の軌跡を辿るうち、昔はどこの家でも受け継がれてきた機織りの伝統的手法や素材を使いながら何か新しい表現を試みるアーティストを目指したいと思いました。以後長い休みごとに先祖代々の土地できもの和裁士の祖母の助けを得てぜんまい綿や綿花の植物繊維を自家栽培・採集し、敷地に自生する芭蕉を倒して糸を績む手織物の実体験を始めます。卒業制作のテーマは芭蕉・紙布・ぜんまい織－それぞれが独立して継承され作品として交わることのなかった民芸染職素材を融合させる－素材研究とタペストリー制作。作品は’８９朝日現代クラフト展に於いて奨励賞を受賞し、そ� �後4年間の実務経験ののちフリーランスとなります。自分の織った織物に樹脂加工を施しモデリングする半立体造形を試みる過程で、元勤務先のアートビジネス関連会社の紹介により建設会社の経営するゴルフ場ラウンジアートワークプロジェクトに参加、以後建築空間専門に直接設計者やクライアントと意見を交わしながら空間を作り上げていくオーダーアートワークを手がけるようになります。
CAS: What is your process like, from initial idea to the creation of the piece? Do you usually develop the idea for a project before you find the "canvas", or vice versa?
最初のアイデアから作品の制作まで、あなたのプロセスはどのようなものですか？
あなたは通常「キャンバス」を見つける前にプロジェクトのためのアイデアを開発しますか、またはその逆ですか？
“While walking in consciousness on the drawing, the shape naturally floats up in my brain.
The accumulation of experience, techniques, and material's knowledge make my images stronger.”
Regarding commercial order-artwork, there was no same form each time that emerges for each space under different places and conditions. The basics are fiber art, but the techniques and materials used were a wide variety of mixed media for each project. I still keep many parts and materials that are in the process of being set up, and there are often works that are completed more than 10 years later by testing the suitability of the material. The main style is taking out the necessary things from the drawers of ideas accumulated in a long artist's life, combine them and reconstruct them. Develop the idea, for Yajima - it seems as if jumping with time and space as past, present and future.
“図面の上を歩く、形状がおのずと私の脳内に浮かび上がってくる。
経験と技術の積み重ね、材料の知識がそのイメージを更に強固なものにする。”
商業的オーダーアートワークではプロジェクトによりそれぞれの空間や条件が違うので毎回一つとして同じものがありません。
基本はファイバーアートですが、使う技法や素材は多岐にわたるミクスド・メディアです。仕掛け途中のパーツや材料がたくさん存在し、10年以上経って素材の適性をテストしてから完成する作品もしばしば存在します。長いアーティスト人生で蓄積されたアイデアの引き出しから必要な時に必要なモノを取り出して組み合わせ、再構築するスタイルがメインです。
アイデアを開発する－それはヤジマにとって、まるで過去・現在・未来と時空の旅をするかのような作業です
CAS: What do you love most about your creative process?
あなたはあなたの創造的なプロセスについて何が一番好きですか？
“The moment when suffering turns into joy.”
In recent years, I have focused on creating different techniques and materials series according to consistent themes. It's a fight against own self, because most of the work is manual, so it takes a lot of time to the final process. Every time if there is an opportunity to exhibit, I will embody and express the ideas I have accumulated in the drawer for over a decade. Since it's an SNS era, “what will Mika come out next?” It is “The moment turning into joy” that I can feel the reaction immediately, and what I love most about my creative process.
“苦しみが喜びに変わる瞬間”
近年は異なる技法や素材を一貫したテーマに沿ってシリーズ制作することにフォーカスしています。
手作業がほとんどなので最後のプロセスまで時間が掛かる、自分との闘いです。
出展の機会があるたびに十数年引出しに貯めておいたアイデアを具現化すると、SNSの時代なので”次にMikaが何を出してくるのだろう？”とリアクションがすぐに判るのが”喜びに変わる瞬間”であり、最も好きな創造のプロセスです。
Cosmic Spiral
CAS: What role does art and the artist play in the broader social conversation today?
今日のより広い社会的会話において、芸術と芸術家はどのような役割を果たしていますか。
In recent years, I have exhibited several times at overseas art fairs, and have been able to communicate by SNS directly with people from all over the world, who loves art and have never had a connection before. I can chat information with other artists and get a glimpse of the circumstances and situations in each country.
If I update my new work and its process, I can hear new reactions and opinions that are completely different from those I have been aware of. On the other side, I can see a glimpse of art from different countries and artworks from various countries at home, and feel that it is purely wonderful, or feel like I am experiencing as if the process of evolution together with them.
Through various media, everyone across borders and eras, everyone can easily know the trajectory of each life that has created struggling works while reach a deadlocks, even those artists who are already masters now. Art and the artist, it seems to play the role of looking at the mirror of the one’s heart today.
近年海外でのアートフェアに数回出展し、SNSでこれまで全く縁のなかった海外のアートを愛する人々とダイレクトにメッセージのやり取りができるようになりました。アーティスト仲間とは情報交換が出来、それぞれの国での事情や状況を垣間見させてくれます。作品やそのプロセスを公開すると、それまで認識していた自分とは全く違った反応やご意見を伺い新たな気づきを得ます。
また逆にこちらからもタイムリーにいろいろな国の芸術や芸術家の作品を自宅で垣間見て純粋に素敵だなと思ったり、その進化のプロセスを同時体験しているかのような気持ちになります。
さまざまなメディアを介して、国境も時代も超えて誰もが皆、すでに巨匠とされる過去の芸術家でさえも壁にぶつかりながらもがき苦しみ作品を生み出してきたそれぞれの人生の軌跡を簡単に知ることができるようになりました。芸術と芸術家－それはまるで人々の心の合わせ鏡をみているかのような役割をはたしているように思えます。
CAS: Name a few of your favorite artists and influences.
好きなアーティストとその影響をいくつか挙げてください。
Professor Akiko Shimanuki: A pioneer of Japanese fiber artists, Attitude to pursue production without compromise and learned Sprang technique method.
恩師・島貫昭子教授 :日本のファイバーアート界の先駆者、妥協なく制作を追及する姿勢とスプラング技法を伝授頂いたこと。
Jyakuchuu Ito:As a research subject in my art collage days, I learned his “timeless originality” that does not need to be compared with others.
伊藤若冲 : 大学時代のリサーチ対象として、“時代を超越したオリジナル性”に、他者と比較する必要がないことを学びました。
Gustav Klimt: Especially “Golden Phase” seeing at Österreichische Galerie Belvedere in my art college days,
after that, it became an opportunity to pay carefully attention to the gold leaf works in art and architecture in various countries.
グスタフ・クリムト ： 大学時代オーストリア・ベルヴェデーレ宮殿美術館で衝撃を受けてから金箔使いに畏敬を抱きました。
以後いろいろな国のアートや建築での金箔使いを注視してみるきっかけとなりました。
CAS: What is the best advice you received as an artist?
アーティストとして受けた最高のアドバイスは何ですか？
“Keep your hands moving little by little and keep producing, no matter how your environment is hard”
By Professor Akiko Shimanuki
「どんな環境におかれようとも、少しずつ手を動かし作り続けること」恩師・島貫昭子教授
CAS: When did you discover your voice as an artist?
アーティストとしてのあなたの声を知ったのはいつですか？
When I was in a long hiatus, I discovered my voice as an artist.
アーティストとして長い休養期に自分自身との対話の中から見出したことがあります。
女性アーティストが仕事と家庭をパーフェクトにコントロールしながら制作を続けること、昔の日本人女性なら普通のことでした。曽祖母、織物の祭祀を大切にしたきもの織人でありながら一族を取りまとめる完璧な家庭人であったことを伝え聞くたび、どうして自分はうまく両立できないのだろうと、家庭のことだけに専念していた時期があります。
一年に一作品だけをどこかに出品して手の触感だけは忘れないようにと手を動かすのですが、細切れの時間だけを切り取った制作は簡単なことではありませんでした。往復4時間をかけて義母の施設を行き来する道すがら、葛の蔓がたくさん自生している道を見つけました。蘇った学生時代の記憶、芭蕉の木を刈って繊維を採ったこと、祖母に綿花を育ててもらい大学の秋休みのたびに収穫に故郷に戻ったこと、気づきは身近な足元にあったのです。“自身の原点に戻ろう”そして私は封印していた当時の植物繊維素材を再構築し、現代アートのジャンルに挑戦しようと制作を再開しました。
CAS : What advice would you give to emerging artists trying to find their own?
あなた自身を見つけようとしている新興アーティストにどんなアドバイスをしますか
"About the sustainability when you use textile & fiber materials"
Thinking long-term installation of the more commercial textile works in public space, it is important factor durability, deterioration, and continuous maintenance. For example, if it is installed directly under air conditioning, dust curtains can be created, and if it installed besides the window or under the spotlight will cause discoloration later. If it is installed inside a company that cannot be freely maintained for a long period of time, maintenance must be taken into consideration from the design stage so that it can be easily maintained even if the person in changes.
Being responsible as a producer while always incorporating the characteristics of materials and evolving information is a lifetime issue, but it is a great honor for the artist to see the works that have been installed for decades. This is a valuable experience that reminds me of gratitude to the people who were involved.
「作品に繊維を取り入れる時の持続性について
公共スペースでの繊維作品の長期設置、それがより商業的であればあるほど、耐久性、劣化、および継続的なメンテナンスが重要な要素です。予期せず空調の真下に設置されれば必ず埃のカーテンが出来ますし、日差しの入る窓際やスポットライトの熱で色やけや変色が起こります。長期間自由にメンテナンスに入れない企業の内部に設置されれば担当者が変わっても容易にお手入れができるよう、設計の段階からメンテナンスのしやすさを考慮に入れておかなければなりません。
常に素材の特性と進化する情報を取り入れながら制作者として責任を負うこと、それは生涯の課題ですが、数十年経っても変わらず設置されている作品を見ることは作家にとって大きな名誉であると共に、関わってくださった方々への感謝の気持ちを思い起させる貴重な体験です
Composition Ryusui
